Letzten Sommer im Jenseits

Die erste Premiere der neuen Saison der Perm-Oper war „Die Pique Dame“ von Tschaikowsky, inszeniert von Vladislav Nastavshev und dem Dirigenten Vladimir Tkashenko. Diese Aufführung ist dem 225. Geburtstag von Puschkin gewidmet und lässt gleichzeitig den Geist Mozarts wieder aufleben. Yulia Bederova erzählt, was daraus folgt.

Diese Aufführung, die auf chromatisch gespielten Halbtönen an der Grenze von Licht und Schatten basiert, scheint aus dem Leben eines Halblichts zu stammen, an dem Schatten beteiligt sind. Die neue „Pik-Dame“ ist die dritte Produktion der Nastavshevs auf der Perm-Bühne. Darüber hinaus ist dies Tschaikowskys zweite Puschkin-Oper (nach Eugen Onegin) und ein neues Erlebnis, das das Publikum daran erinnert, dass historisch gesehen fast alle Opern auch ein bisschen Ballett sind. Zumindest verleiht die plastische, gestische Partitur, subtil und klar aufgebaut, dem Geschehen eine zusätzliche zeitliche Dimension und verleiht ihm eine betont radikale Musikalität. Gesten, Posen, Kopfdrehungen, Licht in den Händen, Bewegung und Unbeweglichkeit der Figuren im Bühnenraum, auf den Vorhängen eingefrorene Schatten lösen gleichzeitig assoziative Wahrnehmungsmechanismen auf mehreren Wegen aus. Die Helden von „Paida“ nehmen an lebenden (oder toten?) Gemälden teil oder imitieren skulpturale Kompositionen im Sommergarten (Apollo Belvedere im Garten verlässt die Bühne fast nie, wie es sich für eine Statue gehört). Oder es spielt sich im charakteristischen, leicht flackernden Licht der Leinwand (Künstler Konstantin Binkin) ein Stummfilm Noir ab. Oder einfach Tschaikowskys musikalische Phrasierung, Tuttis und Soli, Leitmotive und Echos, Streicher, Blechbläser und Blechbläsermelodien, die ineinandergreifen und körperlich aufeinander reagieren.

Die Handlung des neuen „Spade“ spielt sich trotz des strahlenden Geistes der kostümierten 1920er Jahre irgendwo ab, nicht in der Vergangenheit und nicht in der Zukunft, sondern in einer Ewigkeit, wo das menschliche Schicksal endete und für immer andauert. Pädagogische Kulturdenkmäler – von Marmor über Literatur bis Musik.

Auf der Bühne ist hinter einem offenen weißen Musselinvorhang nicht einmal ein weiches, zerfetztes Dekor zu sehen, sondern es sieht so aus: Eine Steinskulptur, ein Podest und ein Paar bodenlange Vorhänge in auffallend schönen Farbtönen sind in gedecktem Smaragd gegossen Grün- und Blautöne. Oder diese jenseitige kalte Burgunderfarbe (Szenen der Nastavshevs und Valeria Barsukova).

Die Geometrie der Stein- und Stofftexturen ist nicht eindeutig. Wir sind auf einem Konzert, in einem Museum oder in einem offiziellen Büro. Es ist schwierig vorherzusagen, welche Annahme richtig sein wird. Und es scheint keine einfache Antwort zu geben. Auf die eine oder andere Weise ist das Publikum eingeladen, Herman während der Aufführung zu begleiten, um die Antwort auf die Frage „Wo bin ich?“ nach Freude oder Trauer zu finden.

Die zwischen Spaß und Ernst balancierende Dramaturgie von „Shovel“ ist so angelegt, dass sich Hermann mit dem in Handlung und Musik zunächst verborgenen Wahnsinn im Finale von „Puschkin und Tschaikowski“ offenbart, hier in einem exquisite Dämmerung. Die halb lustige, halb traurige Retro-Inszenierung scheint am gewöhnlichsten zu sein. Dann wirkt er am lebendigsten. Aber die Tragödie des Jonglierens mit Guignol-Instrumenten fordert immer noch ihren Tribut, und das Ende ist kein Lehrbuch, sondern eine abrupte Katastrophe.

Dramma giocoso ist ein weiteres Archivgenre, das in neuen Werken zum Leben erwacht, unerwartet, aber überraschend passend. Darüber hinaus ist Tschaikowskys Partitur voller Mozart-Assoziationen.

Nicht „Don Juan“, sondern ein verspieltes Drama mit einer Statue aus Witzen, Eifersucht, Leidenschaft, Täuschung, Intrigen, detektivischer Spannung, ein wenig Mystik und einem gruseligen Ende. Dies ist die neue „Schaufel“, mit der die Nastavshevs erneut Erfolg hatten. Experimente mit dem Nationaltheater: Es scheint, dass der starre Rahmen eines Plastikbildes der Beweglichkeit und Instabilität des geistigen Gleichgewichts des Schauspielers nicht nur nicht widerspricht, sondern es sogar verstärkt.

Die sensible und an sich unerwartete Aufmerksamkeit für die Schlüsselwörter des Librettos („Wie gruselig er ist!“ singt die Figur, als sie Herman sieht, aber Angst durchdringt den gesamten Text der Oper) durchdringt nicht nur die Arbeit des Regisseurs. , das Gleiche gilt auch für musikalische Arbeiten. Die vokal-orchestrale Handlung eines singenden unheimlichen Geistes klingt zunächst vielleicht etwas gezwungen. Doch je weiter man voranschreitet, desto erschreckender wird es durch das elastische, nach und nach komprimierte und bedrückende Tempo des Geschehens und die überraschend klaren und funkelnden Balancetricks, die den Klangraum zu verändern scheinen. Im Zentrum und auf der Bühne der musikalischen Darbietung des Films „Im Schlafzimmer der Gräfin“ eröffnet sich ein völlig unmögliches Geisterbild. Das scheint direkt zu sagen: Tschaikowsky ist ein moderner Komponist, und Pjotr ​​ist Pjotr. Iljitsch, seines langen, ewigen Lebens überdrüssig, scheint keine Angst vor mir zu haben.

Auf den satten, transparenten und kalten Klang des Orchesters reagieren Chor und Solisten fast immer mit präzisem Ausdruck und kalter Inszenierungsphrasierung. Der besondere Reiz dieser Aufführung besteht darin, dass jeder der Darsteller hier er selbst sein kann, ohne zum Porträt seiner selbst zu werden. Natalya Lyaskova (Gräfin) hypnotisiert mit sichtbarer Freude mit ihrem Schauspiel und Gesang, Zarina Abaeva (Liza) fesselt Augen und Ohren mit ihrem Gesang und ihrer emotionalen Stärke, Ekaterina Protsenko (Mascha und für manche vielleicht die Seele) webt künstlerische Spitzen, Enkhbat Tuvshinjargal ( Tomsk) gibt Konzerte frei, Evgeny Bovykin (Eletsky) nutzt seltene Momente, um Herman auf seine Schultern zu nehmen, und in Hermans schwierigstem Spiel schafft Boris Rudak das Unmögliche. Ihre aktive Teilnahme auf der Bühne schafft eine überraschend zeitgemäße Aufführung über den Tod und gleichzeitig eine der eindrucksvollsten Aufführungen, die heute nur noch auf der russischen Bühne zu sehen sind.

Quelle: "Коммерсантъ". Издательский дом