Jour du calendrier lunaire

La Maison de la Culture « Rassvet » organise une série de concerts « Schoenberg 150 », dédiée au 150e anniversaire de la naissance du compositeur Arnold Schoenberg. Dans le programme « Eine kleine Nachtmusik », l'Orchestre de chambre Okolobakh, dirigé par Maxim Betekhtin, a interprété deux œuvres emblématiques de Schoenberg, dont deux miniatures et le célèbre « Pierrot Lunaire » (soliste – Alice Ten). Ilya Ovchinnikov était présent au concert.

Ceux qui ont eu l’occasion d’entendre l’oratorio « Le chant de la Koura » dans la salle Tchaïkovski il y a un mois confirmeront que la musique de Schönberg n’est pas du tout dissonante, sombre et destructrice, comme on le croit généralement. Il s’agit d’une histoire familière, bien que « chantée » d’une manière nouvelle. C'est peut-être ce concert qui a convaincu certains auditeurs de s'intéresser au cycle « Schoenberg 150 » au centre culturel Rassvet sous la direction des musiciens de l'Orchestre de chambre d'Okolovaki. L'abonnement comprend cinq concerts, dont trois entièrement dédiés à Schoenberg. De jeunes interprètes, pas encore célèbres, mais certainement ambitieux et déterminés, ne se fixent pas une tâche facile et ne « diluent » pas Schoenberg avec de la musique plus populaire.

Bien entendu, ce cycle ne peut se passer de l’œuvre la plus jouée de Schoenberg, le sextet Enlightened Night. Selon l'auteur du site Bachtrack, qui sait presque tout sur les concerts dans le monde, l'œuvre sera jouée plus de 20 fois dans le monde. Au cours de l'année prochaine. Mais si l'on parle de la composition du programme actuel, alors le cycle « Pierrot Lunaire » est joué huit fois par an, Sérénade op. 24 en fait partie, et Bakhtrak reste complètement silencieux sur les deux objections. Peut-on dire que cette approche de la programmation est sans compromis ? Oui. Considérant que le scénario n’est pas un succès au box-office et nécessite de longues répétitions. Non – si l’on parle du fait que l’œuvre de Schönberg elle-même ne semble plus aussi radicale qu’on le pensait il y a un siècle et demi, lorsqu’une bagarre éclata lors de la première représentation.

Schoenberg a déclaré à propos de sa méthode de composition à 12 tons que c'était « une découverte qui assurerait la domination de la musique allemande pour les 100 prochaines années », mais il avait tort. Mais lui, ses étudiants et ses disciples ont changé et élargi notre idée de la beauté. Aujourd’hui, la musique écrite selon leurs préceptes est depuis longtemps acceptée dans le monde du théâtre, du cinéma et même de l’animation, comme autrefois, mais sans nuire à l’audition. Sachant cela, les musiciens de l’Orchestre Okolovaka débutent leur programme avec la Sérénade, l’une des plus belles œuvres de Schoenberg. Mais peu d'entre eux savent chanter (à l'exception du baryton Konstantin Suchkov, qui participe à l'une des parties). bar. Schoenberg utilise habilement une composition unique comprenant un violon, un alto, un violoncelle, une clarinette et une clarinette basse, ainsi qu'une guitare et une mandoline. Ces deux instruments confèrent au son froid de l'ensemble une certaine informalité et même un caractère folk.

Malgré sa structure rythmique complexe, la Sérénade contient de nombreuses références aux valses, marches, menuets et rands, et son langage peut paraître complexe à première vue. Cependant, en écoutant l'enregistrement, il est difficile d'imaginer comment sept personnes monteraient sur scène et interpréteraient la même chanson en direct. Mais l’orchestre Okolovaki montre que cela est possible au plus haut niveau. Peut-être que le mot « sans compromis » conviendrait mieux à la composition « Escape of the Mind », créée pour la première fois en Russie. Tout comme Schönberg était radical lorsqu'il a ordonné à des centaines d'acteurs d'interpréter « La Chanson de Gur », de même il est ici très radical lorsqu'il crée une miniature vocale de trois minutes pour soprano (cette partie est interprétée par Natalya Smirnova). , surmontant héroïquement des « sauts » inimaginables vers le sommet), harpe, harmonium et célesta. Pas une composition, mais un casse-tête (contrairement à une musique d'une beauté époustouflante) : quel promoteur ne gagnerait pas à faire venir ces instruments dans la salle pendant 3, voire 33 minutes ? Qu'est-ce qu'un artiste ? Mais les solistes de l'Orchestre Okolovaki n'ont pas été trop paresseux pour le mettre en place, notamment en montrant au public comment le « Pierrot Lunaire » pousse à partir de ces graines.

Considérée comme l'une des partitions les plus importantes du XXe siècle, cette partition est aussi légendaire que celle de Schoenberg. L'une des raisons en est l'utilisation d'une technique du Sprechgesang appelée « chant parlant », qui chevauche la frontière entre le chant et la récitation. Igor Stravinsky a même déclaré que les enregistrements de Piero Luner devraient être publiés sans parties solo, afin que chacun puisse « ajouter ses propres hurlements ». Il y a aussi une certaine envie ici. Bien que Pierrot ne soit interprété que par cinq musiciens (piano, violon/alto, violoncelle, piccolo et clarinette/clarinette basse), c'est une partition d'une simplicité, d'une expressivité et d'une transparence étonnantes. Ce n'est pas un hasard si la composition elle-même est devenue un classique ; des centaines de compositions ont été créées et sont en cours de création. La soliste de «Pierrot» était Alice Ten, une actrice et chanteuse au profil très large, interprétant avec brio de la musique baroque, minimaliste, les dernières compositions de notre temps et les classiques du XXe siècle.

La série de 21 épisodes semblait inhabituellement complète, mais il y a eu ici aussi des succès particuliers. Il y a par exemple « La Valse de Chopin », qui est complètement différente des valses de Chopin, « Nostalgie », pleine de lyrisme, et « Retour », presque schubertien. « Motherland » et le final « Ô arôme des années lointaines » semblent inquiétants et voués à l'échec. Les interprètes et le public ont été tellement inspirés que Maxim Betekhtin a presque oublié le dernier morceau - le Nocturne pour harpe et cordes récemment inauguré. Il s’agit clairement de la première œuvre de Schönberg qui nous soit parvenue, et même le romantisme tardif de « La Nuit éclairée » est encore loin. Ce que nous voyons ici est un fan dévoué de Brahms, rendant un petit hommage aux classiques viennois dans leur ensemble. La partie de violon a été superbement interprétée par le soliste de l'ensemble Questa Musica, Mikhail Feyman. Montrer au public ce qu'aurait pu être Schoenberg était une merveilleuse fin du programme.

Источник: "Коммерсантъ". Издательский дом